7 elementów sztuki

Elementy sztuki to podstawowe cechy dzieła sztuki, wizualnie wykrywalne i oddzielnie identyfikowalne. Istnieje sześć podstawowych elementów sztuki wizualnej, które zestawione w określony sposób tworzą dzieło sztuki. Są to linia, kształt, kolor, forma wartości i tekstura.

Przestrzeń można dodać również jako jeden z elementów artystycznych. Kluczem do zrozumienia zasad sztuki i analizy sztuki jest poznanie tych elementów. Nie wszystkie muszą być częścią każdego obrazu, czasami celowa nieobecność niektórych z nich jest wyróżniającą cechą stylu artystycznego. Jednak dla wszystkich obowiązuje jedna zasada – nauka malowania jest konieczna, poza tym i pomimo naturalnego talentu wiedza jest podstawową odskocznią do osiągnięć artystycznych.

Linia

Linia to najprostszy wizualny środek wyrazu. Łączy pewną odległość między dwoma punktami i może być prosty, krzywy, kanciasty lub swobodny. Szerokość, kierunek i długość linii często określają pociągnięcie indywidualnego artysty.

Jest kluczowym elementem projektu i niezbędnym składnikiem znaków i oznaczeń. Gruba lub cienka linia pomaga ukształtować kształt i formę, stworzyć rysunek, a co za tym idzie jest najbardziej podstawowym składnikiem figuralnych i wielu abstrakcyjnych stylów artystycznych. Niektóre techniki, takie jak grafika, opierają się na linii, a niektóre typy rysowania są definiowane przez same proste linie, takie jak croquis.

Zobacz uproszczony rysunek Jeana Dubuffeta. Przypomina kawałek dziecięcy, wykonany szybko czystymi liniami. Rysunek psa autorstwa Davida Hockneya należy do innego stylu, ale jest po prostu wykonany z linią jako niezbędnym elementem graficznym.

Kształt

Kształt odnosi się do obszaru wyznaczonego przez krawędzie – linie, który jest dwuwymiarowy. Często jest to związane z prostymi figurami geometrycznymi, takimi jak trójkąt, kwadrat, prostokąt, koło czy różne wielokąty. Jednocześnie może naśladować dowolne kontury występujące w naturze, przedstawiając sylwetki różnych zwierząt, przedmiotów, ludzi czy roślin. Kształt nie może istnieć bez innych podstawowych elementów sztuki. Zajmują się również tworzeniem tematyki, niezależnie od tego, czy jest to sztuka figuratywna, czy abstrakcyjna.

Zobacz, jak podstawowa geometria jest używana jako taka w obrazach De Stijl Pieta Mondriana. Z drugiej strony kubizm Georgesa Braque’a opiera się na tych geometrycznych kształtach, ale wykorzystuje je jako podstawę do budowy rozpoznawalnych obiektów.

Kolor

Bez koloru nie byłoby sztuki. Kolor buduje atmosferę obrazu, najlepiej opisuje emocje, a style takie jak impresjonizm opierają się niemal wyłącznie na kolorze. Zwróć uwagę na lekkie niuanse dzieła Moneta i żywe kolory krajobrazu Van Gogha.

Kolor jest bezpośrednią konsekwencją odbicia światła i jednym z najważniejszych elementów sztuki. Odcienie kolorów występują w pewnej skali, ale istnieją trzy podstawowe kolory – niebieski, czerwony i żółty. Po zmieszaniu te trzy kolory wytwarzają wszystkie inne niuanse widma. Pierwszą cechą koloru jest zatem niuans lub odcień, określający kolor, w terminach, które definiujemy jako czerwony, zielony, żółty, pomarańczowy i tak dalej. Intensywność to kolejna cecha tego elementu obrazowego, opisująca wyrazistość odcienia, w zakresie od jasnych, głębokich i żywych do matowych lub pastelowych. Intensywność często odnosi się do nasycenia lub jego czystości. Wartość to trzecia cecha koloru, określająca jego jasność lub ciemność. Każdy odcień jest dostępny w różnych odcieniach, zabarwionych na biało, aby stać się jaśniejszym, lub cieniowanych na czarno, aby przyciemnić.

Wartość

Wartość jest elementem sztuki odpowiedzialnym za dramatyczne i emocjonalne wrażenie dzieła sztuki, tuż obok koloru. Odnosi się do lekkości i mroku dzieła, niezależnie od jego barwy. Czasami nazywany „tonem”, wartość można osiągnąć dodając do bazy szarość – czysty kolor. Jest nieodwracalnie połączony ze światłem, podobnie jak kolor, ale jego celem jest przedstawienie iluzji światła. Dlatego powierzchnie na obrazie muszą być renderowane w różnych wartościach, nawet jeśli temat ma ten sam niuans. Cieniowanie i barwienie pozwalają na nieograniczone przejścia w renderowaniu powierzchni, a wykonane umiejętnie, przywołują naturalny wygląd rzeczy. Jeśli spojrzysz na arcydzieło Vermeera „Kobieta z równowagą”, zobaczysz, jak jej skóra i okolice wydają się jaśniejsze lub ciemniejsze, w zależności od tego, jak pada na nie promień światła. Krajobraz Corota przedstawia zieloną scenerię, ale gdy światło pada na las pod różnymi kątami, trawa i liście wydają się ciemniejsze lub jaśniejsze.

Formularz

Forma nawiązuje do trójwymiarowej postaci przedstawionej na obrazie. Definiuje go iluzja objętości uzyskana dzięki zastosowaniu cieni i perspektywy. Oczekuje się, że forma jako taka będzie miała szerokość, wysokość i głębokość, i tak jak w malarstwie jest tylko złudzeniem optycznym, tak w rzeźbie jest najważniejszym składnikiem. Formy, podobnie jak kształty, wywodzą się z geometrii i mogą być stożkami, sześcianami, kulami itp. lub ze świata przyrody. Formy organiczne definiują wszystkie figury występujące w przyrodzie, od ludzi, zwierząt i roślin, po inne nieorganiczne, naturalne i nieregularne przedmioty.

Zobacz, jak w swojej wczesnej pracy „Kosz z owocami” Caravaggio wykorzystuje niektóre z podstawowych elementów sztuki, aby stworzyć iluzję trójwymiarowej formy. Art Deco był nowoczesnym i dekoracyjnym stylem opartym w dużej mierze na geometrii, ale przedstawienie formy miało wyraźną trójwymiarową charakterystykę, co widać w pracach Tamary de Lempicka.

Tekstura

Tekstura opisuje dotykową jakość pomalowanego obszaru lub iluzję tej jakości. Może więc być namacalny lub malowany – symulowany, naśladujący, jak może wyglądać prawdziwa faktura tkaniny, kamienia, drewna, skóry. W sztuce klasycznej symulowana tekstura była używana do przedstawiania tkanin, przedmiotów i opalenizny porcelany, ale wraz z postępem nowoczesności i pojawianiem się nowych technik, prawdziwa, dotykowa faktura stawała się coraz bardziej powszechna. Faktura zapewnia bogactwo, naturalność charakteru dzieła sztuki, a jej brak również może być świadomym stwierdzeniem. Osiąga się to poprzez połączenie innych podstawowych elementów sztuki.

Faktura w pracach Van Gogha jest tak samo ważna jak ich kolor. Grube i ważkie impasto Karela Appela podkreśla ekspresję i emocje jego abstrakcyjnych obrazów.

Przestrzeń

Przestrzeń to obszar otaczający lub wypełniający dzieło sztuki i malowany przedmiot. Sztuka klasyczna od dawna poświęcona jest tworzeniu iluzji przestrzeni, podczas gdy sztuce współczesnej udało się ją na wiele sposobów zanegować. Nowoczesność zrodziła ideę przestrzeni pozytywnej i negatywnej. Przestrzeń pozytywna to przestrzeń zajmowana przez podmiot, podczas gdy przestrzeń negatywna go otacza.

W renesansie perspektywa była kluczowym narzędziem do osiągnięcia iluzji głębi i przestrzeni. Zwróć uwagę, jak Raffaello buduje swoje wnętrze za pomocą planów architektonicznych wraz z kwadratową podłogą wyłożoną kafelkami, przestrzegając zrównoważonych zasad perspektywy. Arcydzieło Maneta „Bar w Folies-Bergere” to wczesnonowożytny, impresjonistyczny utwór, który tworzy przestrzeń poprzez odbicie lustrzane, w zestawionych płaszczyznach, a nie w perspektywie akademickiej.