7 elementen van kunst

Elementen van kunst zijn de kernkenmerken van een kunstwerk, visueel detecteerbaar en afzonderlijk identificeerbaar. Er zijn zes basiselementen van beeldende kunst, die, wanneer ze op een bepaalde manier naast elkaar worden geplaatst, een kunstwerk creëren. Ze zijn lijn, vorm, kleur, waardevorm en textuur.

Ruimte kan ook als een van de artistieke elementen worden toegevoegd. De sleutel tot het begrijpen van principes van kunst en kunstanalyse is leren over deze elementen. Ze hoeven niet allemaal deel uit te maken van elk schilderij, soms is de opzettelijke afwezigheid van sommige een onderscheidend kenmerk van een kunststijl. Eén regel geldt echter voor allemaal: leren schilderen is noodzakelijk, naast en ondanks natuurlijk talent, is kennis de elementaire opstap naar artistieke prestaties.

Lijn

Lijn is het eenvoudigste visuele expressieve middel. Het verbindt een bepaalde afstand tussen twee punten en het kan recht, bochtig, hoekig of vrij zijn. Breedte, richting en lengte van de lijn bepalen vaak de lijn van een individuele artiest.

Het is het cruciale element in het ontwerp en het noodzakelijke bestanddeel van merken en tekens. Dik of dun, lijn helpt vorm en vorm te vormen, een tekening te maken en daarom is het het meest elementaire onderdeel van figuratieve en vele abstracte artistieke stijlen. Sommige technieken, zoals prentkunst, zijn gebaseerd op lijn, en sommige typen tekeningen worden alleen gedefinieerd door eenvoudige lijnen, zoals croquis.

Zie de te vereenvoudigde tekening van Jean Dubuffet. Het doet denken aan een kinderstuk, snel afgemaakt door het gebruik van strakke lijnen. De tekening van een hond door David Hockney behoort tot een andere stijl, maar is eenvoudig uitgevoerd met de lijn als essentieel picturaal item.

Vorm

Vorm verwijst naar een gebied dat wordt gedefinieerd door randen – lijnen, die tweedimensionaal zijn. Het is vaak gerelateerd aan eenvoudige geometrische figuren zoals driehoek, vierkant, rechthoek, cirkel of verschillende veelhoeken. Tegelijkertijd kan het alle contouren van de natuur nabootsen, waarbij silhouetten van verschillende dieren, objecten, mensen of planten worden weergegeven. Vorm kan niet bestaan ​​zonder andere basiselementen van kunst. Ze zijn ook verantwoordelijk voor het creëren van het onderwerp, of het nu figuratieve of abstracte kunst is.

Zie hoe de basisgeometrie als zodanig wordt gebruikt in De Stijl-schilderijen van Piet Mondriaan. Aan de andere kant leunt het kubisme van Georges Braque op deze geometrische vormen, maar het gebruikt ze als basis om herkenbare objecten te bouwen.

Kleur

Zonder kleur zou er geen kunst zijn. Kleur bepaalt de sfeer in een schilderij, het beschrijft emoties het beste, terwijl stijlen als het impressionisme bijna uitsluitend op kleur zijn gebaseerd. Let op de lichte nuances van het stuk van Monet en de levendige kleuren van het landschap van Van Gogh.

Kleur is het directe gevolg van weerkaatsing van licht en een van de belangrijkste elementen van kunst. Kleurtinten komen in een schaal, maar er zijn drie basiskleuren – blauw, rood en geel. Wanneer ze worden gemengd, produceren deze drie kleuren alle andere nuances van het spectrum. Het eerste kenmerk van kleur is daarom nuance of tint, die de kleur definieert, in termen die we definiëren als rood, groen, geel, oranje enzovoort. Intensiteit is de volgende eigenschap van dit picturale element en beschrijft de helderheid van de tint, in het bereik van helder, diep en levendig tot dof of pastel. Intensiteit verwijst vaak naar verzadiging of de zuiverheid ervan. Waarde is het derde kenmerk van kleur en definieert zijn lichtheid of duisternis. Elke tint wordt geleverd in een reeks tinten, getint met wit om lichter te worden of gearceerd met zwart om donkerder te worden.

Waarde

Waarde is het element van kunst dat verantwoordelijk is voor de dramatische en emotionele indruk van een kunstwerk, direct naast kleur. Het verwijst naar de lichtheid en duisternis van een stuk, ongeacht de tint. Soms met de naam “toon”, kan waarde worden bereikt door grijs aan de basis toe te voegen – pure kleur. Het is onomkeerbaar verbonden met licht, net als kleur, maar het doel is om een ​​illusie van licht weer te geven. Daarom moeten oppervlakken in een schilderij in verschillende waarden worden weergegeven, zelfs als het onderwerp allemaal dezelfde nuance heeft. Schaduw en tinten zorgen voor de grenzeloze overgangen in oppervlakteweergave, en wanneer ze vakkundig worden uitgevoerd, roepen ze het natuurlijke uiterlijk van dingen op. Als je naar het meesterwerk van Vermeer “Vrouw met balans” kijkt, zie je hoe haar huid en close-up lichter of donkerder lijken, afhankelijk van de manier waarop de lichtstraal erop valt. Het landschap van Corot toont een groen landschap, maar naarmate het licht onder verschillende hoeken op het bos valt, lijken gras en bladeren donkerder of lichter.

Formulier

Vorm verwijst naar de driedimensionale figuur afgebeeld in een schilderij. Het wordt gedefinieerd door de illusie van volume die wordt bereikt door het gebruik van schaduwen en perspectief. Vorm als zodanig wordt geacht breedte, hoogte en diepte te hebben, en aangezien het in de schilderkunst slechts een optische illusie is, is het in de beeldhouwkunst het belangrijkste bestanddeel. Vormen, net als vormen, komen voort uit geometrie en kunnen kegels, kubussen, ballen en dergelijke zijn, of uit de natuurlijke wereld. Organische vormen definiëren alle figuren die in de natuur worden gevonden, van mensen, dieren en planten tot andere anorganische natuurlijke en onregelmatige objecten.

Zie hoe Caravaggio in zijn vroege werk “Basket of Fruit” enkele van de basiselementen van kunst gebruikt om de illusie van een driedimensionale vorm te creëren. Art Deco was een moderne en decoratieve stijl die grotendeels gebaseerd was op geometrie, maar de weergave van vorm had een duidelijk driedimensionaal kenmerk, zoals te zien is in het werk van Tamara de Lempicka.

Textuur

Textuur beschrijft de tactiele kwaliteit van het geschilderde gebied, of de illusie van die kwaliteit. Daarom kan het tastbaar of geverfd zijn – gesimuleerd, en emuleren hoe een echte textuur van een stof, steen, hout, huid eruit kan zien. In de klassieke kunst werd gesimuleerde textuur gebruikt om stoffen, objecten en porseleinen kleur weer te geven, maar naarmate de moderniteit vorderde en nieuwe technieken opkwamen, werd echte, tactiele textuur steeds gebruikelijker. Textuur geeft rijkdom, een natuurlijk kenmerk aan het kunstwerk, en de afwezigheid ervan kan ook een opzettelijke uitspraak zijn. Het wordt bereikt door andere basiselementen van kunst te combineren.

Textuur in werken van Van Gogh is net zo belangrijk als hun kleur. Dik en zwaar impasto van Karel Appel benadrukt de zeggingskracht en emotie van zijn abstracte schilderijen.

Ruimte

Ruimte is het gebied dat het kunstwerk en het geschilderde onderwerp omgeeft of vult. Klassieke kunst is al lang gewijd aan het creëren van een illusie van ruimte, terwijl moderne kunst deze op veel manieren heeft weten teniet te doen. De moderniteit bracht het idee van een positieve en negatieve ruimte voort. Positieve ruimte is de ruimte die door het onderwerp wordt ingenomen, terwijl de negatieve ruimte het omringt.

In de Renaissance was perspectief het belangrijkste instrument om de illusie van diepgang en ruimte te bereiken. Merk op hoe Raffaello zijn interieur bouwt met architecturale plannen samen met de vierkante tegelvloer, volgens de evenwichtige regels van perspectief. Manets meesterwerk “A Bar at Folies-Bergere” is een vroegmodern, impressionistisch stuk, dat ruimte creëert door een spiegelreflectie, in naast elkaar geplaatste vlakken in plaats van in academisch perspectief.